7 картин Пушкинского музея, которые стоит увидеть

Пушкинский музей славится своей блестящей коллекцией импрессионистов, уникальной коллекцией слепков скульптур, шедеврами старых мастеров, художников Италии, Фландрии, Голландии, Франции XV-XVIII веков, искусством Европы и Америки ХIХ-ХХ вв., известных всему миру.

За такое наследие мы благодарны двум дореволюционным коллекционерам – промышленнику Ивану Морозову и купцу Сергею Щукину. Именно они тратили сотни тысяч франков в год на покупку будущих шедевров.

Сегодня расскажу о 7 моих любимых картинах Пушкинского музея.

"Порыв ветра", Камиль Коро, середина 1860 - начало 1870-х гг.

Картина «Порыв ветра» не характерна для творчества Коро своим ненастьем, но, пожалуй, и самая выразительная. Художник знаменит умиротворенными спокойными пейзажами, с которыми часто сравнивали его безмятежную жизнь биографы. Коро даже зиму не писал, предпочитая в холодные месяцы работать в мастерской работая над летними пейзажами по эскизам.

На полотне “Порыв ветра” с её мрачным небом, несущимися тяжёлыми тучами, сбитыми порывами ветра в одну сторону ветвями деревьев, с тёмными рвущимися и трепещущими кронами, и зловещим оранжево-желтым заревом неба, и проблеском заката - всё пронизано ощущением тревоги. 

В лучших традициях романтизма маленькая фигурка человека, прорывающаяся навстречу ветру, беззащитна перед огромной мощью разбушевавшейся стихии. Кажется, что вот-вот буря готова снести всё на своём пути, что она или уронит одиноко бредущую женщину или захватит и унесёт с собой. Сила ненастья хорошо видна по склонившемся ветвям дерева и развевающемуся платью идущей по дороге женщины. Вся картина пропитана атмосферой беспокойства и тревоги, она очень живая и выразительная – зритель будто на себе ощущает порывы предгрозового воздуха, становиться наблюдателем не столько картины, созданной мазками краски, сколько противостояния человека и необузданной природы.

Картина «Порыв ветра» - одна из самых выразительных работ Коро. Она была настолько знаменита и любима, что её часто копировали. В биографии художника есть такая легенда. Однажды в мастерскую Коро зашёл его состоятельный почитатель с купленной им картиной «Порыв ветра». 

- Но это же не Коро! – изумился мастер.

- Как не Коро?! Не может быть! Я велю немедленно найти и арестовать того, кто продал мне эту подделку!

- Арестовать?! – забеспокоился живописец. – Постойте! У него ведь, наверное, семья, маленькие дети. Сейчас вам будет законный, подлинный Коро! 

С этими словами, художник выхватил из рук гостя подделку и поставил в углу свою подпись.

"Мадонна перед чашей с причастием", Энгр Жан Огюст Доминик, 1841г.

Жан Огюст Доминик Энгр (1780—1867) – французский художник, живописец и график, общепризнанный лидер европейского академизма XIX века. Получил и художественное, и музыкальное образование.

 Он считал, что «хранение истинных доктрин, а не новаторство» — вот что действительно важно. Энгр был истинным поклонником творчества Рафаэля Санти, и считал его своим учителем. Более того, он утверждал, что после Рафаэля искусство и вовсе пошло по неверному пути и нужно вычеркнуть все последующие художественные достижения и вновь вернуться к Ренессансу.

«Мадонна перед чашей с причастием», написанная в 1841 году по заказу наследника русского престола — будущего императора Александра II. Наследник пожелал, чтобы слева и справа от Мадонны были изображены два почитаемых в России святых – Николай Угодник и Александр Невский.

Композиция картины напоминает поздние произведения Рафаэля. Сходство с его «Мадонной с канделябрами» прослеживаются в симметричной композиции, в чертах лица богоматери, и, особенно, в прямой цитате — паре подсвечников. Также можно найти и самоцитирование —поза Мадонны практически повторяет позу из «Обета Людовика XIII», которую Энгр написал в 1824 году.

Мадонна является композиционным и смысловым центром произведения. Свет, озаряющий её лик, исходит извне, а не от естественного горения свечей, руки сложены в молитвенном жесте, лицо непроницаемо, оно не выражает никаких чувств, а в её позе и лике в целом читается некая торжественность и репрезентативность. Взгляд Мадонны направлен на центр стола, где расположена чаша с просфорой. Символично, что композиция предметов на столе повторяет расположение фигур перед столом: Мадонна соответствует чаше с просфорой круглой формы, а свечи в подсвечниках – св. Николаю и Александру Невскому.

Долгое время в России «Мадонну перед чашей с причастием» не принимали: многочисленные критики сетовали, что картина по сути католическая и к православию не имеет отношения. Но времена изменились и теперь полотно Энгра ценят по достоинству, как прекрасный пример ортодоксального академизма и высочайшего профессионального уровня.

Есть ещё один неприятный факт: заплатить художнику то ли забыли, то ли не захотели. Через третьих лиц он всё-таки добился получения своего гонорара, но оно было передано в неуважительной форме. Бытует легенда, что мастер, в отместку за оскорбление, повторил этот сюжет много раз — между 1852-66 годом появятся «Мадонна со святыми» (музей Метрополитен) и «Мадонна с ангелами» (сейчас в музее Бонна-Эллё).

Всего в собраниях музеев России имеется всего две картины Энгра – портрет графа Гурьева в Эрмитаже и московская «Мадонна перед чашей с причастием».

"Зимний пейзаж с птичьей западней", Брейгель Питер Младший, 1620-е годы

Картина «Зимний пейзаж с птичьей западней» Брейгеля Питера младшего является копией одноимённой и, пожалуй, самой знаменитой работы отца художника – Брейгеля Питера старшего, чьих картин нет в собраниях российских музеев.

«Зимний пейзаж …» пользовался большой популярностью, известно 127 её копий, времён XVI и более поздних веков, 45 из них – авторские.

На полотне изображены просторы реально существующей местности - деревни Сент-Пед-Анн близ Дибена. Герои картины беззаботно катаются на покрытой льдом реке. Картина в целом погружает в меланхоличные размышления: мы смотрим на разворачивающуюся сцену сверху, что привносит в картину некий общечеловеческий смысл, заставляя задуматься о мироздании, как взгляд Бога с небес на землю, обозревая бескрайние просторы, в морозной дымке виднеются башни ратуши и городского собора. Разглядывая детали картины, многочисленные фигуры людей, деревья с прописанными ветками, дома и заснеженный пологий берег реки наш взгляд останавливается на ловушке для птиц. 

В общем настроении работы, вместе с её умиротворённостью, сквозит нотка назидательности: ловушка для птиц и катающиеся люди на льду представлены как аллегория того, что в человеческой жизни всё ненадежно и тот кто катается на коньках по застывшей реке может поскользнуться или угодить в прорубь, на которую никто из них не обращает внимания, также как силки готовы поймать зазевавшихся птиц. Неявная угроза, нависшая над людьми и птицами опасность, делает их равными перед неумолимостью рока.

Это предостережение можно понять и в более аллегоричном смысле: как бы прекрасен и полным веселья не выглядел мир – он всего лишь ловушка для птиц, тонкий лёд, на котором каждый может оступиться и впасть в грех.

"Портрет актрисы Жанны Самари",  Пьер-Огюст Ренуар, 1877 г.

Французский живописец встретил Жанну и предложил ей позировать для портрета. Она была женщиной умной, амбициозной и новые веяния в живописи были её не чужды, к тому же, она ещё не успела стать известной актрисой, и лишняя толика известности ей бы пригодилась. А уж тем более, когда художником был никто иной, как сам Огюст Ренуар. Самари охотно согласилась, зная, что он сумеет передать её природное обаяние, или, как говорил про Жанну сам художник, - «свет, идущий изнутри», чего не сделает ни одна постановочная фотография. 

За три года мастер исполнил не один, а целых 12 портретов актрисы, 9 из которых написаны маслом. Все работы были абсолютно разными, как и цели, которые за ними стояли – от быстрых этюдов до основательной картины «Портрет актрисы Жанны Самари».

Спокойные чёрные умные глаза, доброжелательно и уверенно смотрящие на зрителя, милая улыбка, мягкие черты лица, красивое светлое платье, - весь образ как суть обаяния, чувственности и женственности. Сам Ренуар с восторгом отзывался о Жанне Самари: «Она замечательная собеседница, очень приятно слушать её естественный, без жеманства и лишнего кокетства женский голос». 

Художник приукрасил красоту девушки, в жизни она была не так хороша, но, возможно, мастер хотел передать обаяние и внутреннюю красоту Жанны. Она обладала особым очарованием, была смешлива и мила, а её искренняя улыбка очень располагала. Однажды в неё влюбился молодой человек из состоятельной семьи. Аристократы не захотели принять в свою семью представительницу легкомысленной профессии, и никто из его семьи так и не появился на их свадьбе.

Ренуар представил картину широкой общественности на выставке импрессионистов в 1873 году. У зрителей полотно вызвало противоречивые впечатления. Кто-то говорил, что “её руки словно рыбья чешуя”, а другие восхищено восклицали: “Этот портрет можно есть ложкой!”.

В итоге Жанна Самари всё-таки стала, как и мечтала, знаменитой актрисой и добилась она этого сама. Но известность, тянущуюся более 150 лет, ей принёс именно портрет Огюста Ренуара. 

Хотя картина являлась только этюдом к парадному портрету Жанны Самари, хранящемуся в Эрмитаже, большинство искусствоведов считают именно эту работу мастера одним из главных его шедевров.

"Красные виноградники в Арле", Винсент Ван Гог, 1888 г.

Ван Гог написал эту картину в провинциальном городке Арле. Сюда он приехал отдохнуть от Парижа, поправить здоровье и в поисках ярких красок. Именно в Арле, всего за год он напишет около 200 картин, в том числе самые яркие и известные свои полотна, такие как “Подсолнухи”, “Ночное кафе” и “Красные виноградники”.

Ван Гог увидел виноградник во время прогулки с Полем Гогеном 4 ноября 1888 года. Так он пишет об этом своему брату Тео:

«Ах, почему тебя не было с нами в воскресенье! Мы видели совершенно красный виноградник — красный, как красное вино. Издали он казался желтым, над ним — зеленое небо, вокруг — фиолетовая после дождя земля, кое-где на ней — желтые отблески заката».

Позднее он писал:

«Я также кончил холст с виноградником, совершенно красным и желтым с небольшими синими и фиолетовыми фигурками, и желтым солнцем».

Картины Ван Гога имеют этюдный характер, он писал их довольно быстро, иногда даже работал пальцами, набирая краску прямо из тюбиков. И, конечно, у художника не было идеи «соблюсти технологию» и закрыть краской все участки холста — он просто изображал всё, что хотел, а если после этого на холсте оставались пустые, не закрашенные места, то художника это не сильно беспокоило.

Картина «Красные виноградники в Арле» известна ещё и тем, что была приобретена за приличные деньги — 350-400 франков. До этого Ван Гогу удалось продать всего около 20 работ, и те за меньшие деньги. Считается, что именно это полотно стало началом его светлой полосы, и если бы не роковой выстрел в грудь в 1889 году, Ван Гог уже при жизни стал бы богат и получил признание.

"А, ты ревнуешь?", Поль Гоген, 1892 г.

Гогена никогда полностью не принимал чопорность Европы. Будучи наполовину перуанцем по материнской линии, он до семи лет жил среди экзотической природы Южной Америки. Поэтому, когда в 1890 году он сбежал из Парижа на Таити, это не было не особенно удивительного.

И Гоген не прогадал, ведь именно там он создал свои самые лучшие работы.

Для художника переезд был своеобразным бегством в нетронутый первобытный рай экзотических островов. Его дневник под названием «Ноа Ноа» («Благоуханная земля») проникнут восхищением этим воплощением земного рая. Гоген с трепетом изучает новый мир, его природу, историю, традиции и культуру.

В картине «А, ты ревнуешь?» изображена подсмотренная художником сцена, пропитанная ощущением неги и покоя. Две таитянские девушки ведут неспешный разговор, приняв расслабленные позы. Обе девушки обнажены, но совершенно этого не стесняются. В их мире в наготе нет ничего постыдного и странного.

О теме разговора мы понимаем по фразе, написанной Гогеном внизу картины “А, ты ревнуешь?” Для зрителя эта сцена была бы не понятна, если не знать обычаев таитян. Они были сторонниками свободной любви. Даже будучи замужем девушка могла провести ночь с другим мужчиной и это вписывалось в норму, а вот ревность считалась странной. Отсюда удивление одной из девушек по отношению к столь не привычным чувствам другой. Да, она провела ночь с возлюбленным своей подруги. А она что, ревнует?

Гоген придавал огромное значение этому полотну. В письме к своему другу Даниэлю де Монфрейду он отмечал: «Недавно я написал по памяти ню: две женщины на берегу. Мне кажется, что это лучшее из того, что я сделал».

О Таити художник всегда отзывался с особенной теплотой: «Меня пленила эта земля и ее люди, простые, не испорченные цивилизацией. Чтобы создавать новое, надо обращаться к нашим истокам, к детству человечества. Ева, которую я выбираю, почти животное, поэтому она остается целомудренной, даже обнаженная. Все Венеры, выставленные в Салоне, выглядят неприличными, отвратительно похотливыми…». Гоген восхищался таитянскими женщинами, их серьезностью и простотой, величественностью и непосредственностью, необычной красотой и природным обаянием.

“Голубые танцовщицы”, Эдгар Дега, 1897 г.

Несмотря на название, искусствоведы до сих пор спорят о том 4 ли танцовщицы изображены на картине, или одна в разных позах. В пользу последней версии говорят найденные в его архивах фотографии одной и той же девушки в разные моменты движения.

Удивительно, но художник никогда не писал прима-балерин и именитых танцовщиц. Лица героинь его полотен ни о чем не говорили даже его современникам. «Балерины всегда были для меня лишь предлогом, чтобы изобразить замечательные ткани и ухватить движение», — признавался Дега, когда его в очередной раз называли поклонником танцовщиц. Художник наблюдал за жизнью балета за кулисами, часами наблюдал, запоминая каждое па балерин и их эмоции, а феноменальная зрительная память позволяли ему с поразительной точностью улавливать нюансы, создающие ощущение мгновенного и случайного. Его знания точно отражаются на картине “Голубые танцовщицы”.

Пастель, которую использовал Дега, была его любимым материалом в поздний период творчества. Свежесть тонов, вибрация штриха, бархатистая фактура привлекали мастера. Голубого сияющего цвета художник добивался необычным способом. Чтобы придать краскам особое «звучание», Дега придумал обрабатывать картины паром — пастель размягчалась и её можно было растушёвывать. Художник также растворял пастель горячей водой и наносил на холст, как масляную краску чтобы придать ей ещё большее сияние.

 «Голубые танцовщицы» рисовались в поздний период творчества, когда зрение художника с быстром темпом ухудшалось. Возможно, в этом причина крупности фигур на картине. Через 6 лет он прекратит писать картины, и переключится на скульптуру, чтобы наощупь лепить из воска любимых танцовщиц в сложных позах.